CLASSIC ADDICTION: Los mejores discos de Rock de 2005

Por Staff Metal Addiction

Cada vez estamos más convencidos de sacar el apelativo “Rock” a este ranking, puesto que progresivamente hemos incluido cada vez más lejanos del concepto clásico de dicho género – tan amplio por lo demás – abriéndonos sin tapujos a otros estilos como el trip hop, el pop de cámara o el folk naturalista. Quizás, nuestro gusto compartido por vari@s del staff por la música de vanguardia, desafiante y lúcida, nos hace disfrutar de música extraña o aparentemente incompatible con los de alguien que sólo disfrute de Rock y Metal. O puede que sólo estemos pervirtiendo a Metal Addiction en un “trabajo interno”.…lo sabremos al final de esta revisión de dos décadas. Por si te los perdiste, acá están los enlaces de las selecciones previas:

TOP 10

ANTONY AND THE JOHNSONS – ” I Am A Bird Now “

Lanzado el: 1 de febreroSello: Secretly CanadianGénero: Art/Soul/JazzPor: .:G_Radaghast

Empezamos fuerte con un álbum, un artista y un estilo que no pueden estar más alejados del Rock: Antony and the Johnsons era el vehículo del artista visual, cantante, pianista y compositor inglés (también posee nacionalidad norteamericana) Antony Hegarty. La banda nació primero como un grupo de performance teatral y visual llamado Black Lips Performance Club, que más tarde se transformaría en su banda de acompañamiento, puesto que ella es quien compone toda la música y letras además, del concepto estilístico de cada álbum. Digo “ella” porque efectivamente es transgénero, pasando a llamarse ANOHNI de manera oficial como música desde el lanzamiento de su álbum “Hopelessness” en el 2016, empero siempre sus familiares y cercanos la trataron con pronombre femenino. Este segundo trabajo fue un gran éxito de crítica, llegando al número 5 en las listas británicas, presentando además colaboraciones con músicos de la talla de Lou Reed, Boy George, Rufus Wainwright y Devendra Banhart. Tal fue su impacto que fue seleccionado como disco del año por la revista Mojo, y galardonado con el prestigioso Mercury Music Prize.

La conocida música y artista visual Laurie Anderson expresó alguna vez que la voz de Anohni “Contiene todas las emociones del mundo”. Y se aprecia con la primera canción “Hope There’s Someone”: su voz es profunda y frágil, de espectro amplio y con vibratos que llegan a tus oídos donde más duele. Pero no sólo es dolor y tristeza lo que ofrece el álbum: canciones mas jazzeras y alegres como “Fistfull of Love”, la melancólica e infantil “For Today I Am a Boy” (declaración de principios no exenta de humor) pero por sobre todo, hay mucho soul, pianos trasnochados y líricas cantadas con brutal honestidad (“You Are My Sister”, “What Can I Do”). La portada es una fotografía realizada por Peter Hujar de la actriz transexual Candy Darling. La foto se titula “Candy Darling en su lecho de muerte“, elección muy vinculada a su trabajo como artista visual. Es una bellísima pieza de arte por la que vale la pena desterrar cualquier tipo de prejuicio.

MOBY – ” Hotel”

Lanzado el: 14 de marzoSello: Mute/V2Género: Electro/Alt RockPor: Mónica Bórquez

Esta pieza se compone de 2 discos: “Hotel” y “Hotel Ambient”, sintetizando en una sola entrega lo que Moby mejor sabe hacer: componer, producir y generar un efecto nocivo de volarse sin drogas, provocar alegría, nostalgia y llanto a la vez. Moby es un loco maestro que alberga toneladas de creaciones tras 30 años de trabajo incansable, y aun así, sabe escoger precisamente qué poner en cada álbum. Éste es el primer disco donde, en vez de usar samples, como el músico acostumbra, grabó todos los instrumentos y voces – valiéndose del apoyo de Laura Dawn-, en directo en su home studio.

Algo que distingue la carrera musical de Moby, es que lo escuchas en todas partes, pero rara vez sabes que es él. Lo escuchamos en campañas ambientales, musicalizando comerciales, películas, documentales y tantos otros, siempre tras bambalinas. Hotel no es la excepción, permitiéndonos saborear su sonido en el premiado documental “Earthlings” narrado por el también activista Joaquin Phoenix. Este disco dejó joyas imperecederas para quienes somos fan del excéntrico multiinstrumentista: “Lift Me Up”, “Beautiful”, “Slipping Away” o “Dream About Me”, son tracks cortos, sencillos, incluso poco ambiciosos, pero que quedaron en el inventario musical que vamos repasando en nuestro cerebro cualquier domingo por la mañana.

QUEENS OF THE STONE AGE – ” Lullabies To Paralize “

Lanzado el: 21 de marzoSello: InterscopeGénero: Art/Stoner RockPor: .:G_Radaghast B.P.

La salida – mejor dicho, el despido – de Nick Oliveri posterior al lanzamiento de “Songs for the Deaf” no resultó inocua: sin su partner creativo y la gira de Mark Lanegan con su propia banda, la composición de su siguiente trabajo sufrió retrasos, sumada a la intención de Josh Homme de no lanzar un “Songs for The Deaf 2”. Afortunadamente para sus intereses, su alianza con Troy Van Leeuwen, multiinstrumentista que venía de tocar con los A Perfect Circle, y que antes había tocado en Failure (banda infravalorada de rock alternativo de gran calidad) y el ingreso de Joey Castillo en la batería (ex-Danzig y con carrete en varias bandas punk) le dieron el impulso necesario para sacar un disco distinto a lo hecho previamente, tanto en Kyuss como en QOTSA.

Si porque desde la delicada y misteriosa intro “This Lullaby”, cantada en solitario por su colega Mark Lanegan, nos enfrentamos con un trabajo más oscuro y “maduro” del colorín. A pesar de que “Medication” suena a la típica canción de apertura de Queens – rápida y urgente – “Everybody Knows That You’re Insane” evoluciona desde un arranque bluesero casi balada pero que en el coro retoma la rabia y la precisión robótica de Josh, muy bien acompañado por la pandilla elegida. Joey se luce en esta canción y en todo el álbum con un pulso increíble, digna de cronómetro suizo. Los siguientes tracks exploran diversos tiempos, sonidos y ánimos, desde los clásicos cánones “lento/rápido/lento”, baladas bellísimas como “I Never Came”, experimentos como “Burn The Witch” e invitados de lujo como Alain Johannes (Eleven, Chris Cornell – chileno por lo demás), Shirley Manson (Garbage), Billy Gibbons (ZZ Top), Chris Goss (Masters Of Reality y uno de los Godfather musical del Stoner Rock) entre otros, hacen de este disco una verdadera joya tanto del repertorio de QOTSA como de la música en general.

GARBAGE – ” Bleed Like Me “

Lanzado el: 11 de abrilSello: GeffenGénero: Alt/Electro RockPor: Karina Báez

Por estos años la vuelta de Garbage a los escenarios pendía de un hilo después su experimental placa “Beautifulgarbage”, un amado y odiado por los medios, que reflejaba un momento de transición en la banda con un sonido más sad indie diseñado para bailar lamentándose sobre una pared, pero además se sumaba la cirugía vocal que se tuvo que someter Shirley Manson finalizado el tour y el distanciamiento de los 4 integrantes originales, lo que hacía crecer la especulación del quiebre definitivo de la agrupación. Para nuestra suerte “Bleed Like Me” llegaría a mostrarnos el lado más rockero de la banda pero sin perder el concepto electrónico raro de sus antecesores. El periodo más oscuro de la banda en cuando a composición, acompañado de líricas reivindicativas tanto políticas como sexuales, con trabajos de joyería en las guitarras y batería que se hacen notar por sobre otras canciones de su discografía.

De este álbum salen los temas más pesados de toda su carrera como el single “Why Do You Love Me” y “Bad Boyfriend”, que contó con Dave Grohl en la batería. El himno supremo de “Run Baby Run” y la nostálgica “Bleed Like Me”, son los recuerdos más latentes para la generación MTV de los 2000, quienes lograron hacer el nexo con la antigua discografía de la banda con este álbum y atraer a una nueva generación de darklings a sus arcas. Vale la pena mencionar que gracias a “Bleed Like Me” la banda pudo realizar su primer tour mundial como headliner y fichando definitivamente –sólo para shows en vivo- al quinto Garbage, el bajista Eric Avery (Jane’s Addiction, Deconstruction, Alanis Morissette, NIN, infinito etc. de grandes nombres).

EDITORS – “The Back Room “

Lanzado el: 25 de julioSello: KitchenwareGénero: Dark indie rockPor: .:G_Radaghast B.P.

“The Back Room” fue el álbum debut de los ingleses Editors, banda liderada por Tom Smith (voces, guitarra, piano) y Russell Leetch (bajo, sintetizador, coros) y que en su debut y hasta el año 2012 estuvieron acompañados por Chris Urbanowicz (guitarra líder). Con Geraint Owen en la batería, grabaron este genial debut que de inmediato fue bien recibido tanto por la crítica como el público, siendo nominado a un Mercury Prize el año siguiente. Mismo éxito tendría su sucesor, “An End Has A Start” lanzado el año 2007. Fue producido por Jim Abbiss, capo de capos y responsable de discos de Arctic Monkeys, Kasabian, Massive Attack e incluso los primeros dos discos de Adele. (Nota del R: Referencia a Adele en Metal Addiction, qué espanto. ¿Cómo no me echan?)

Musicalmente, Editors exhibió un indie rock que bebía del post punk gótico de principios de los ochenta (Bauhaus, Joy Division) pero con predilección por los ritmos rápidos y bailables, lo que los emparentaba con el tradicional indie de la primera década. Sus similitudes con Interpol son obvias, principalmente por el parecido vocal de Tom con Paul Banks (De hecho yo mismo los confundí en un principio) y así la misma crítica musical lo entendió puesto que algunos incluso aventuraban que este disco parecía ser un mejor y digno sucesor del primer disco de los Interpol (“Así es como sonaría Interpol si se ocuparan de temas universales y reflexión en lugar de cantar sobre fantasías de felación con Stella, o la duración de sus amores”; “El rock alternativo no ha visto nada como esto desde el lanzamiento de “Turn on the Bright Lights”). Como suele ser con este tipo de debut con sabor a gloria, ningún tema sobra y todos perfectamente tienen madera de singles. Canciones como “Munich”, “Lights”, “Fall” o la preciosa “Bullets” entraron directamente a la categoría de clásicos imperecederos. Date un gusto y dale play a este álbum una tarde de sábado cualquiera: será tu placer instantáneo.

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB – ” Howl”

Lanzado el: 22 de agostoSello: RCA/EchoGénero: Alt/indie/Folk/BluesPor: .:G_Radaghast

La trayectoria discográfica de B.R.M.C. luego de su maravilloso y sorprendente debut, no fue bien entendida por la prensa de la época: todos esperaban un sucesor igual de erótico, ganchero y cool como su primer trabajo, pero las mentes atormentadas de los “no-gemelos malditos” Robert Levon Been y Peter Hayes tenían mucho más que canciones con sabor a hit. Su fuente de inspiración es y sigue siendo mucho más amplia, nutrida de una buena dosis de ese ensamble de blues, country, gospel y soul que los entendidos denominan simplemente como “americana”. Prueba de ello fue este disco, repleto de canciones acústicas, frágiles en apariencia y rebosantes en emoción, como “Devil’s Waiting” o “Fault Line” ambas cantadas por el gran Peter Hayes.

No sólo de melancolía vive este disco: el muy ganchero y atrapante “Ain’t No Easy Way” prende la pradera con whiskey y diesel a punta de guitarras country y harmónica, cantada nuevamente por Peter; “Promises” que recuerda a un Lou Reed sobrio, con tintes de jazz, “Weight Of The World” que parece sacada del “Rated R” de los Queens Of The Stone Age, y “Sympathetic Noose” de carácter similar a las canciones de su debut. La mayoría sin embargo exploran en clave acústica la tradición americana, siempre con ánimo lánguido, doom y de exquisita decadencia. La veta estilística mostrada en este álbum acompañará a los Black Rebel en sus siguientes entregas, progresivamente adaptada a la identidad propia de la banda, como veríamos en “Beat The Devil’s Tattoo”.

DEATH CAB FOR CUTIE – ” Plans “

Lanzado el: 30 de agostoSello: AtlanticGénero: Alt/Indie RockPor: Mónica Bórquez

Para quienes venimos siguiendo el trabajo de los ingleses desde un principio, sabemos con claridad que superar “Transatlanticism” no iba a ser una tarea fácil para la banda, que ya venía con una campaña in crescendo genuina, entregando material cada vez mejor. El vocalista y guitarrista Ben Gibbard es quien compone todas las letras; y más allá de sus antiguos problemas con el alcohol – aun presentes durante la composición de “Plans”-, siempre me pregunté quién le habrá roto el corazón en tantos pedazos para componer tanta tristeza junta. Este álbum, logró su efecto en sus seguidores y nos tuvo horas con pañuelo en mano. Canciones como “I Will Follow You Into The Dark” y “Different Names For The Same Thing” son disparos directos al alma y te ayudan bastante a reabrir heridas viejas. O para peor: actuales. Y en verdad, el tracklist completo es tremendo, como nunca, lo escucho de principio a fin sin saltarme canciones.

El álbum llegó al número 4 del ranking de los Billboard 200, recibió disco de platino y nominación al Grammy por mejor álbum de música alternativa. El salto de la banda a la disquera “Atlantic” fue el paso final para consolidar esta entrega de lujo y que no logró la desafortunada creencia de los seguidores de que una banda deje de ser indie por mudarse de casa a lo grande. Letras fantásticas, piano de ensueño, imaginería surreal y una madurez musical total. Difícil otra vez de mejorar.

DEVENDRA BANHART – ” Cripple Crow “

Lanzado el: 13 de septiembreSello: XL RecordingsGénero: Freak FolkPor: .:G_Radaghast

Cripple Crow” fue la consagración del sonido clásico de Devendra – ese folk acústico de letras desopilantes, voces andróginas y mucho sentimiento – y la incursión en sonidos latinoamericanos, textos en español y la mayor participación de su banda de acompañamiento, integrada por músicos de otra banda folk sicodélica llamada Vetiver. Así vemos canciones típicas de Devendra como “Now That I Know” junto con baladas cercanas a la salsa como “Quédate Luna“, la muy alegre y “tropical” “Santa Maria de Feira“, y la evolución de su sonido clásico en temas más maduros como “Heard Somebody Say” y “Lazy Butterfly“.

De todas maneras hay que reconocer que este disco tiene de todo: canciones exploratorias, himnos para cantar a todo pulmón (“I Feel Just Like A Child”), errores de primera toma (“Some People Ride The Way”), experimentos adorables como el cambio de idioma, ánimo y letra en “The Beatles” (“Riki tiki tiki, Canta el Troubador, Como la flor mas gorda que no tiene sabor; Que rica es la vida que rico es el amor, No mates al toro, mata al toreador”) y canciones de bellísima factura como el que le da nombre al álbum, compuesto nada más y nada menos que por 22 canciones. Si siguiente trabajo sería la cúspide de esta primera etapa, la que sería reemplazada por otra búsqueda musical que le expondría a otro tipo de audiencias completamente distintas.

MY MORNING JACKET – ” Z “

Lanzado el: 4 de octubreSello: ATOGénero: Art/Psycho/Indie RockPor: .:G_Radaghast

My Morning Jacket despegó desde la escena indie más ligada con la música folk y americana de Norteamérica. Sus bellas composiciones adornadas por la dulce voz de Jim James – similar a un Thom Yorke más luminosa y menos conflictuada – los llevaron a un status de culto dentro de esa pequeña escena. Para esta ocasión, decidieron presentar un sonido más espacioso y pulido que los tres lanzamientos anteriores, haciendo un uso intensivo de sintetizadores e incorporando influencias de reggae y dub. “Z” fue su primer álbum en tener un productor profesional: John Leckie, quien era conocido por su trabajo con bandas como Pink Floyd y Radiohead. Leckie también fue operador de cintas en el álbum de George Harrison “All Things Must Pass”, uno de los álbumes favoritos de James.

Esta producción experimentada y profesional marcó una diferencial gigante en relación a sus anteriores producciones, las que parecen “naif” al lado de ésta: canciones alegres y sencillas de la talla de “Wordless Chorus” y “Anytime“, himnos como “Gideon“, experimentos de batería como “It Beats For You” y el tenebroso final con sabor a gloria y explosión universal como “Dondante” se vieron beneficiadas por la mano de John Leckie. Las influencias dub y reggae son fácilmente apreciables, y se disfrutan tanto como la veta tradicional de My Morning Jacket. No por nada este disco figura en los rankings de lo mejor de la década y de la historia según la Rolling Stone.

ANIMAL COLLECTIVE – ” Feels “

Lanzado el: 18 de octubreSello: FatCatGénero: Psych/Freak Folk/RockPor: .:G_Radaghast

Avey Tare (David Portner), Geologist (Brian Weitz), Panda Bear (Noah Lennox) y Deakin (Josh Dibb) están a miles de años luz cuánticos de todos nosotros en su concepción disonante y espectacular de lo que entendemos por sicodelia y música de vanguardia. Al lado de ellos, gente más famosilla como Mike Patton, John Zorn y Robert Fripp son bebés de pecho en las arenas vidriosas de estos sonidos. Este corresponde a su sexto álbum y fue el que los puso en el radar del gran público, con canciones un poco más accesibles que los anteriores, verdaderos retos para cualquier fan, independiente de si eres alguien “fogueado” o no en las lides del avantgarde.

Así, temas como “Grass” o “The Purple Bottle” podrían equipararse a singles por sus melodías principales y no por su ausencia de locura. Ritmos tribales, guitarras (des)afinadas según un piano muy desafinado, repetidas en bucles sin cesar, sintetizadores por montón, voces gritadas a coro imitando animales, violines por aquí y por allá y letras igual de oníricas hacen de este disco un esfuerzo artístico fuera de todo tiempo y escena en particular. Han seguido lanzando discos igual de descuadrados, como colectivo y en solitario, mientras los demás mortales seguimos con nuestras vidas. Esto, señoras y señores, es Revolución de verdad.

MENCIONES HONROSAS

SUFJAN STEVENS – ” Illinois “

Otro gran disco de 22 canciones con lo mejor de la música: folk, orquestaciones, indie rock, jazz, pop barroco en un álbum conceptual digno de Neil Young y Nick Drake. Un viaje total, embriagante y cautivador.

SYSTEM OF A DOWN – ” Mesmerize “

El disco doble separado a lo largo del 2005, donde encontramos más de ese metal alternativo ganchero y melódico de toda su carrera. Destacan “Cigaro” y “Question” como dos muestras de los extremos por los que deambula este álbum.

SYSTEM OF A DOWN – ” Hipnotize “

Las voces melódicas de Serj y Daron se lucieron en estos dos discos lanzados este año. Toda la potencia y versatilidad de “Toxicity” fue distribuída en esta dualidad, luciéndose en este opus temas como “Attack”, “Dreaming” y “Lonely Day”.

THE WHITE STRIPES “Get Behind Me Satan”

La broma del título se ve superada por la variedad musical de este álbum: indie ganchero, mucho folk y country, blues a destajo, jodas con el incesto (“Passive Manipulation”) y si, menos dosis de punk filtrado por americana. No por ello menos disfrutable.

DREDG – “Catch Without Arms”

No sólo Staind y Chevelle llevaron el sonido de Tool hacia un espectro más masivo, manteniendo las letras adolescentes y agregando influencias post rock. En el 2005 Dredg se despachó este hermoso disco, infravalorado y desconocido por muchos. “Ode To The Sun” y ese track que fácilmente entraba en lo mejor del año, “Bug Eyes”, son lo mejor del álbum.

ROBERT PLANT & THE STRANGE SENSATION “Mighty ReArranger”

Para nadie es secreto que Robert Plant se hundió en la música tribal africana y del Medio Oriente, sonidos que utilizó como influencia primordial a la hora de revisitar la discografía de Led Zeppelin. Para esta ocasión reunió diversos músicos de sesión y, fascinado por la world music y el trip-hop, lanzó un disco ecléctico y multicultural.

THE MARS VOLTA – “Frances The Mute”

Profundizando en sus influencias latinas, textos en español y mucha salsa, los Volta nos deleitaron con otra entrega de rock progresivo, vanguardista y con sonidos dignos del mejor Santana de los 70. Un digno sucesor de su álbum debut, dentro de una discografía que siempre aspiró a más.

FOO FIGHTERS – ” In Your Honour “

Cuando Dave Grohl finalmente se convenció que su proyecto no iba a fracasar con cada disco, se relajó y se despachó un disco doble, lleno de temones radiales e invitados de lujo como John Paul Jones (Led Zeppelin), Josh Homme y Norah Jones.

NINE INCH NAILS ” With Teeth”

Trent Reznor lo hizo de nuevo. No siendo suficiente haberse convertido en influencia del rock alternativo de los 90 y principios del 2000, en la mitad de la primera década del siglo XXI nos entregó un disco soberbio, industrial y a momentos bailable.

DEPECHE MODE – “Playing The Angel”

Otros referentes históricos de la música alternativa de las últimas décadas. “Precious” se alza como un clásico instantáneo, dentro de un disco quizás menor respecto a su previa discografía pero digno de su estatura.

SIGUR RÓS – ” Takk “

Post Rock bajo los códigos del ambient. Los islandeses nos entregaron una joya imperecedera de música etérea, basada en teclados, sintetizadores, orquestaciones y la voz de sirena de Jón Pór “Jonsi” Birgisson. “Glósóli” y “Hoppípolla” se transformarían en clásicos instantáneos de la banda.